Author: Bülent Gündüz

  • Legendärer Fusion

    Legendärer Fusion

    Man muss sich das kurz vor Augen führen: Als die Yellowjackets 1981 gegründet wurden, war Helmut Schmidt Bundeskanzler und Ronald Reagan wurde als 40. Präsident der Vereinigten Staaten vereidigt. Das ist 45 Jahre her, und es ist grundsätzlich eine Meisterleistung, sich so lange im Musikbusiness zu halten. Es auf dem Niveau der Yellowjackets zu tun, ist eine besondere Meisterleistung.

    Anfang der 1980er-Jahre war Fusion Jazz angesagt. Die neuartige Mischung aus komplexem Jazz, heißen Rhythmen des Funk und der Energie des Rock galt als fortschrittlich und schick, schien dem Jazz aber auch seine vermeintliche Intellektualität zu rauben. Das klang alles so schön eingängig, dass man dazu mitwippen und tanzen konnte.

    Dabei hatte kein Geringerer als Miles Davis gemeinsam mit Joe Zawinul der Stilrichtung des Fusion mit seinen Alben „In a Silent Way” und „Bitches Brew” Anfang der 1970er Jahre zum Durchbruch verholfen und einen stark elektronischen Sound in die Jazzmusik eingebracht. Weather Report, Chick Corea, Herbie Hancock und das Mahavishnu Orchestra (mit Billy Cobham) gehörten zu den Großen des Genres.

    Der US-amerikanische Jazzgitarrist Robben Ford war der Initiator der Gründung der Robben Ford Group. Gemeinsam mit Keyboarder Russell Ferrante, Bassist Jimmy Haslip und Schlagzeuger Ricky Lawson spielte er in dieser Band. Als die Plattenfirma von Ford ein neues Album wollte, das stärker in Richtung Pop tendieren und mehr Gesang beinhalten sollte, rebellierten die Musiker. Sie wollten lieber instrumental arbeiten und näher am Jazz bleiben. Kurzerhand gründeten sie eine Band in der Band. Das erste Album in giftigem Gelb trug den Namen der neuen Gruppe und war stark vom Funk inspiriert: flotte Rhythmik, Synthesizer und die Hammond-Orgel bestimmten die Songs. Das Projekt schien allerdings kurzlebig zu sein. Als das zweite Album „Mirage à Trois” 1983 für einen Grammy nominiert wurde, hatte sich das Projekt bereits wieder aufgelöst.

    Im Jahr 1984 gründeten Haslip und Ferrante die Band neu. Saxophonist Marc Russo ersetzte Ford. 1986 verließ der Drummer Lawson die Band und wurde durch William Kennedy ersetzt. Mit den neuen Mitgliedern wandelte sich der Stil der Band in Richtung „Worldbeat“. Die Stücke wurden ruhiger und scheinen von anderen musikalischen Kulturen beeinflusst zu sein. Das Saxophon trat stärker in den Vordergrund und die Beats wurden „jazziger”. Eine Entwicklung, die sich in den kommenden Alben fortsetzte.

    Mit dem Weggang von Russo änderte sich der Stil erneut. Saxofonist Bob Mintzer stieß zur Band. Die Yellowjackets wurden experimentierfreudiger: Streicher untermalten einige Stücke, manche waren leicht und gingen eher in Richtung Acoustic Jazz, andere schienen dann wieder stärker vom Modern Jazz inspiriert zu sein. Es schien fast so, als wollten die Yellowjackets einen „Jazz für alle” erfinden. Jazzpuristen verspotten den eingängigen Jazz als „Easy Listening”, doch gerade bei den Yellowjackets greift das viel zu kurz. Die Yellowjackets spielten keine „Fahrstuhlmusik”, sondern durchaus komplexe Stücke, die leicht daherkommen. Das ist die eigentliche Kunst der Band und das Geheimnis ihres Erfolgs.

    Bob Mintzer ist ein grandioser Arrangeur – das war wohl auch ein Grund, warum er 2016 Chefdirigent der WDR Big Band wurde. Spätestens seit Anfang der 2000er-Jahre trieb er die Band gemeinsam mit Ferrante immer stärker weg vom Fusion Jazz hin zu komplexeren Arrangements mit deutlicherer Rhythmik und Jazzelementen der 1950er- und 1960er-Jahre. Das Album „Mint Jam” (2002) war ein erster hörbarer Beweis dieses Wandels und wurde prompt für einen Grammy nominiert.

    Die Kritiker sind längst verstummt, die Musik des Quartetts längst als stilprägend anerkannt. Was die Band in den letzten Jahrzehnten geschaffen hat, ist einzigartig. Ihr Jazz ist für jedermann „hörbar”, gleichzeitig ist er jedoch nie flach, immer vielschichtig, mitreißend und von Improvisation geprägt, sodass auch Jazzpuristen gerne zuhören.

    Mit dem im vergangenen Jahr erschienenen Album „Fasten Up” ist ihnen ein großer Wurf gelungen, der auch für den Grammy nominiert war. Insgesamt waren sie 17 Mal nominiert und haben zweimal gewonnen. Auch das ist ein Zeichen der herausragenden Qualität der Yellowjackets. Man kann nur hoffen, dass sie noch viele Alben aufnehmen!

  • Politisch, weiblich, richtig gut!

    Politisch, weiblich, richtig gut!

    Als unser künstlerischer Leiter Oliver Strauch 2023 fill in als Festival initiierte, war für ihn klar, dass er eine Mischung aus arrivierten Weltstars und aufstrebenden Talenten zeigen wollte. Die Großen des Genres sollten die ganze Qualität des Jazz, die Talente die aktuellen Trends zeigen. Im ersten Jahr war dieses Ansinnen noch gut zu erkennen, inzwischen ist die Qualität des Festivals so gestiegen, dass man kaum noch zwischen arrivierten und angehenden Weltstars unterscheiden kann. Das beweist nichts so gut, wie der erste Festivalabend. Zuerst spielen Stochelo und Mozes Rosenberg, die als große Gitarrenvirtuosen gelten dürfen, dann Lakecia Benjamin. Wer ist hier noch Star und wer Talent?

    Der arrivierte Weltstar ist sicher Stochelo Rosenberg, allerdings steht ihm Lakecia Benjamin in nichts nach. Seit ihrem Album “Phoenix” (2020) erlebte sie einen raketenhaften Aufstieg. Lange nur eingefleischten Jazzfans ein Begriff, bekam sie nun drei Grammy-Nominierungen für das Studioalbum und zwei für die Live-Aufnahme. Dazu im vergangenen Jahr den Deutschen Jazzpreis.

    Wenn man über Trends im Jazz redet, dann kommt man an Lakecia nicht vorbei. In den letzten Jahren hat die New Yorker Jazzszene wieder stark an Einfluss gewonnen. Das liegt auch und vor allem an “Jazz at Lincoln Center”, das spätestens mit der Übernahme der künstlerischen Leitung durch Wynton Marsalis wieder einer der weltweiten Hotspots des Jazz ist. Nicht weniger daran beteiligt sind die großen Jazzclubs wie das Smoke, das Village Vanguard, die Jazz Gallery und natürlich das Apollo Theater.

    Benjamin wuchs inmitten der Stadt auf, im Viertel “Washington Heights”, damals geparkt von dominikanischen Migranten, von Gewalt und Kriminalität – das prägt ihr musikalisches Werk. Schon früh begann Benjamin mit dem Saxophonspiel, bewarb sich an der Fiorello LaGuardia High School für darstellende Künste und spielte dem Jazzmusiker Bob Steward vor. Steward bescheinigt ihr Talent und ließ sie Jazz hören, um sie in das Schulorchester aufzunehmen. Hier war sie bald Bandleaderin. Sie war von der Musik so begeistert, dass sie nach der High School im Jazzprogramm der New Yorker New School studierte. Da spielte sie schon mit Größen wie Clark Terry und Rashied Ali.

    Legendär ist die Geschichte, wie Benjamin versuchte, Prince’ Aufmerksamkeit zu ergattern um mit ihm spielen zu dürfen. Mehrfach hatte sie versucht, zu dem Künstler auf die Bühne zu stürmen, um mit ihm zu jammen. Das Ansinnen scheiterte, bis ein solcher Versuch in einen Tumult mit dem Türsteher gipfelte. Der Vorfall drang bis zu Prince vor und der war wohl so beeindruckt von der jungen Frau, dass er sie zum Vorspielen einlud. Zwei Wochen lang durfte sie dann auf seinen After-Shows Musik machen. Eine besondere Ehre!

    Auch wenn Benjamin immer Jazzmusikerin war, spielte sie auch mit Pop-Größen wie Stevie Wonder und Alicia Keys und Hip-Hop-Stars wie Missy Elliott, Lil Wayne, Jay-Z und J Cole. Ihr erstes eigenes Album erschien 2012 und war eine Mischung aus Jazz mit ganz viel Soul und Funk. Mit “Pursuence: The Coltranes” wagte sie sich ein paar Jahre später ganz in den traditionellen Jazz und legte ein grandioses Album vor. Die Saxophonistin spielte Arrangements von Alice und John Coltrane ein. Die Kritik war begeistert. Es war ihr großer Durchbruch und zeigte erstmals ihr ganzes Können. Ron Carter und Dee Dee Bridgewater als Gastmusiker sprechen eine deutliche Sprache.

    Mit ihrem aktuellen Studioalbum “Phoenix” (2020) geht sie ihren Weg bewusst weiter. Neben Jazz, Funk und Soul spielt nun auch Hip-Hop eine nicht unwesentliche Rolle. Musikalisch ist das längst höchstes Niveau und Benjamin zeigt in ihren Texten, was sie umtreibt: Kriminalität, Gewalt, Diskriminierung sind ihre Themen und sie sind in Trump Vereinigten Staaten aktueller denn je.

    Besonders drastisch ist der letzte Song des Albums: “Amerikkan Skin”, das mit einer Schießerei und Polizeisirenen startet, dann setzt die Stimme von Bürger- und Frauenrechtlerin Angela Davis ein, gefolgt von einem dramatischen Saxophon und einem gehetzten Drumbeat. Benjamins Saxophonsound ist sonst eher im latein- und afroamerikanischen Jazz zu Hause mit starken Anklängen an den Modern Jazz. Hier ist sie ganz um zeitgenössischen Jazz und nimmt viele Einflüsse der New Yorker Jazzszene auf, ihr Sound ist extrem energiegeladen und intensiv.

    Ich bin mir sicher, dass dieses Konzert niemanden in den Stühlen halten wird und freu mich wahnsinnig auf diesen Abend. Es wird ein Genuss!

  • Die Kings of Strings

    Die Kings of Strings

    Als Mitte der 1990er-Jahre die Weltmusik im Mainstream abseits der Esoterik ankam, war ich immer dann besonders fasziniert, wenn sich Jazz mit Elementen der Weltmusik, also eher traditioneller folkloristischer Musik, mischte. Angetan hatte es mir vor allem der Klezmer, zu dem ich den saarländischen Klarinettisten Helmut Eisel kam. Diese Lebensfreude, die sich auch in den dunkelsten Zeiten nicht vertreiben ließ, fand ich faszinierend.

    Neben afrikanischer Weltmusik bin ich auch beim Gypsy-Jazz hängen geblieben. Django Reinhardt, aber auch Opa Tsupa, Schnuckenack Reinhardt, Biréli Lagrène oder Prinzo Winterstein gehörten für mich zu den Großen.

    Für mich war das immer eine Mischung aus beschwingter Sinti/Roma-Folklore mit starken Anteilen an Improvisation. Erst sehr viel später habe ich begriffen, dass das nicht einfach eine zusammengeklöppelte Mischung ist, sondern dass die Ferret-Brüder Baro, Sarane und Matelo und Django Reinhardt Ende der 1920er-Jahre begannen, mit den Gitarren im Mittelpunkt die traditionelle Musik der Sinti mit swingenden Valse-Musette-Klängen zu verbinden und über gebrochene Akkorde improvisierten und damit den ersten europäischen Jazzstil schufen.

    Bis heute ist diese kulturelle Leistung kaum be- und noch viel weniger anerkannt. Im Mittelpunkt immer die Gitarren, häufig ergänzt um Violine und/oder Kontrabass. Dabei übernimmt eine Gitarre meist den Lead und die Melodie, während die andere den Rhythmus bestimmt, das wechselt aber auch in atemberaubender Geschwindigkeit. Lead- und Rhythmusgitarre wechseln wild hin zu zurück, dazwischen wird scheinbar wild improvisiert. Richtig bunt wird es, wenn mehrere Gitarren dabei sind und man als Zuhörer schwindlig gespielt wird. Ruhig sitzen zu bleiben, ist dann selbst für mich als bekennendem Nichttänzer schwierig.

    Eine nicht unwesentliche Rolle bei der Entwicklung spielten die Manouches – bis heute hält sich der Terminus “Jazz Manouche” insbesondere im französischsprachigen Raum. “Manouche(s)” ist die Bezeichnung für die Sinti aus der heutigen Region Grand Est, die vor allem aus dem Elsass stammen.

    Zu den großen Dynastien dieses Genres gehört zweifellos die Familie Rosenberg. Zu den Begründern muss man sicher Latcheben Grünholz, dem Großvater der gerade aktuellen Generation um Stochelo und seinen Bruder Mozes, zählen, aber auch deren Cousins Jimmy und Romane Rosenberg sowie die Neffen Nous’che und Nonnie Rosenberg. Auch der Onkel Waso Grünholz war ein herausragender Musiker, genauso wie der Vater Mimer.

    Bedeutendster Musiker in der Familie ist aber zweifellos Stochelo, der insbesondere mit dem Rosenberg Trio (Nous’che [Gitarre] und Nonnie Rosenberg [Kontrabass]) zur Weltspitze des Gypsy-Jazz gehört. Mehr als 20 Alben haben die drei Musiker veröffentlicht, auf zahlreichen Jazzfestivals weltweit waren sie zu Gast. Imme wieder gesellten sich andere Mitglieder der Familie mit auf der Bühne, in wechselnden Konstellationen haben die Musiker die Bühne für Begeisterungsstürme gesorgt. Zuletzt gehörten neben Stochelo sein Bruder Mozes und der Gitarrist Paulus Schäfer zum Trio.

    Eines der Live-Alben von Stochelo trägt den vielsagenden Titel “Kings of Strings” (mit Tommy Emmanuel und Vlatko Stefanovski) und tatsächlich trifft es das ganz gut. Kaum jemand spielt so virtuos Gitarre wie er und nicht umsonst zählt Rosenberg zu den besten Gitarristen weltweit. Imme wieder sprengt Stochelo auch Grenzen, nähert sich mal dem Chanson an (wie im legendären Album Serestra Double deluxe), wagt wilde Ritte durch alle Genres (wie im Album “Tribulations” mit Romane Rosenberg) oder ist ganz nah am Jazz US-amerikanischer Prägung, wie im Album “Double Jeu”.

    Nun wagt Stochelo mit seinem jüngeren Bruder Mozes erneut neue Wege. Die beiden waren Teil eines Filmprojekts von Carmen Chaplin, einer Enkelin von Charlie Chaplin. Lange war es nur eine Vermutung, doch Carmen weist in ihrem Dokumentarfilm aus dem Jahr 2024 nach, dass Charlie Chaplin Sinti-Vorfahren hatte. Chaplin war, das zeigen handschriftliche Notizen, sich dieser Tatsache sehr bewusst und hielt sie doch geheim. Der Film beleuchtet den Einfluss der Sinti-Kultur auf Chaplins Werk, insbesondere auch auf seine Musik, denn Chaplin komponierte die Musik für seine Filme häufig selbst, erhielt dafür sogar 1973 mit Raymond Rasch und Larry Russell einen Oscar.

    Bei fill in stellen Stochelo und Mozes Rosenberg erstmals gemeinsam mit Kontrabassist Matheus Nicolaiewsky ihr neues Album “Stochelo & Mozes Rosenberg play Charlie Chaplin” vor, dass Chaplins Musik aufgreift und ganz persönlich interpretiert. Eine Hommage an Chaplin und seine Musik. Und eine Weltpremiere!

  • Zwischen Orient und Okzident

    Zwischen Orient und Okzident

    Dhafer Youssefs Tour alleine in diesem Jahr spricht Bände: Er ist beim Jazzfest in Budapest, bei Jazz à Vienne, besucht das La Défense Jazz Festival in Paris, spielt beim beim Montreal Jazz Festival, beim Festival Arabesques und natürlich bei fill in – International Jazz Festival Saar.

    Ich habe Dhafer Youssef erstmals mit seiner zweiten Platte “Electric Sufi” wahrgenommen. Als jemand mit türkischem Migrationshintergrund erkenne ich natürlich sofort das Instrument, dass Yousef spielt, auch wenn es in der türkischen Musik kaum vorkommt. Die arabische Oud ist eine Kurzhalslaute, die Saz (in der Türkei häufig die mittellange Bağlama) eine Langhalslaute.

    Auch wenn beide unterschiedlich klingen und auch anders gespielt werden, sind sie sich nicht unähnlich. Die Oud klingt aber weicher und mit ihr lässt sich auch besser improvisieren. Während die Saz mit einem Plektrum gespielt wird, lässt sich die Oud mit Plektrum und Fingern spielen, was das Spektrum der Möglichkeiten erweitert.

    Als “Electric Sufi” 2001 erschien, war ich gerade ein bisschen von der reinen Lehre des Jazz abgekommen und schaute mich stark in der Weltmusik um. Am liebsten dort, wo Jazz und Weltmusik sich überschnitten, etwa Musiker wie Nguyên Lê, Abdullah Ibrahim, natürlich der Buena Vista Social Club und viele afrikanischstämmige Musiker , die unbekümmert Jazz, Pop und Folkloristisches mischten. So musste man zwangsläufig irgendwann auch über den Namen Dhafer Youssef stolpern.

    “Electric Sufi” war so anders als alles, was ich bisher kannte. Da war ein Musiker, der sich um Genre und musikalische Grenzen nicht scherte. Fröhlich kombinierte Youssef die Oud mit elektronischen Klängen des Synthesizers, Kontrabass, indischer Perkussion, europäischem und US-amerikanischem Jazz und kreierte etwas komplett Neues. Orientalische Sufi-Musik trifft auf Jazz, Rock, Elektro, Klassik und arabischer und indische Musik. Es entstand eine Musik, die den Zuhörer wie auf einem Teppich davon trägt in moderne arabische Städte, nach New York, nach Neu-Delhi, in die Wüsten des Nahen Ostens und in die Medina von Tunis.

    Bei Youssef hatte man erstmals das Gefühl, es gibt so etwas wie einen arabischen Jazz und er war für dieses Genre tatsächlich ein ähnlicher Vorreiter wie Jan Garbarek Jahre zuvor für den nordischen Jazz. Mit dem Album “Birds Requiem” nimmt er die ätherisch wabernden Sounds auf, für die Garbarek so bekannt wurde, und würzte sie mit einer Prise Orient.

    Youssef ist aber nicht nur ein außergewöhnlicher Oud-Spieler, er nutzt seine mehrere Oktaven umfassende Stimme als Instrument und mischt in westliche Jazz-Klänge den typischen arabischen Gesang, den man sofort erkennt. Was sich wie Sprache anhört, ist meist nur ein Aneinanderreihen von Tonsilben, die ineinanderfließen. Das hinterlässt eine sehr ruhige, fast kontemplative Stimmung, die den Zuhörer in eine Welt von Tausendundeiner Nacht entführt. Aber Youssef singt auch arabische Texte.

    Wenn man dem Tunesier eines nicht vorwerfen kann, dann dass er langweilig ist. In den letzten beiden Jahrzehnten bewies er, wie viel Kraft in ihm und seiner Musik steckt. Obwohl Youssef seinem einmal entwickelten Stil treu geblieben ist, hat er sich konsequent weiterentwickelt.

    Mit dem aktuellen Album “Street of Minarets” geht der Jazzmusiker den eingeschlagenen Weg weiter, integriert aber etwas stärker einen westlichen Jazz-Sound. Das wird schon im titelgebenden “Street of Minarets” offensichtlich: Unter seinen arabischen Gesang legt Youssef einen modernen Jazzklangteppich. Auch in “Funk Sharq”, “Sudra Funk” oder “Herbie’s Dance” stehen die Jazzsounds gleichberechtigt neben Oud und arabischem Gesang.

    Warum das so ist, verrät die Entstehungsgeschichte der Platte. Der in Frankreich lebende Künstler lud mehrere Kollegen ein, mit ihm gemeinsam Musik zu machen. erst Mals feststand, wer dabei sein würde, komponierte Youssef. Herbie Hancock, Rakesh Chaurasia, Ambrose Akinmusire, Nguyên Lê, Dave Holland, Adriano Tenorio und Vinnie Colaiuta sind mit dabei. Insbesondere Hancock, Lê und Holland dürften vielen etwas sagen, zählen sie doch schon lange zu den Weltstars des Jazz.

    Auch Chaurasia ist kein unbekannter. Der indische Flötist ist kein Jazzmusiker, gehört aber zu den ganz großen der indischen Musik. Der US-amerikanische Jazztrompeter Akinmusire schwingt sich gerade zu den Großen auf. Seine Alben werden vom Jazzmagazin Downbeat fast immer mit den selten vergebenen fünf Sternen bewertet. Adriano Tenorio kenne zwar nur eingefleischte Jazzfans, die verehren den Schlagzeuger für seine Spielfreude und Improvisationskraft dafür umso mehr. Seinen Schlagzeugkollegen Vinnie Colaiuta dürften dann wieder viele kennen, weil er mit allen großen Musiker:innen auf der Bühne stand: mit Leonhard Cohen und Frank Zappa, Herbie Hancock und Chick Corea, Sting und Billie Evans.

    Entstanden ist ein Album, das einfach nur Spaß macht. Man merkt, dass die Musiker im Studio wirklich mit Lust und Laune gearbeitet haben. Andächtig lauscht man den sphärischen Klängen von “Flying Derwish Outro”, wippt bei “Spinning Hermit” mit und bekommt mit “Bal D’âme” feinsten Pianojazz von Hancock mit der Begleitung von Youssef an der Oud. Ein Dialog zweier großer Musiker. Ich freu’ mich. Der Abend mit Dhafer Youssef wird ein rauschendes Jazzfest werden!

  • fill in AVENUE kommt

    fill in AVENUE kommt

    Es ist Mitte April, nicht mehr lange also, bis die fill in AVENUE startet und damit auch die Festivalsaison 2025. Auf die Idee kamen wir Anfang 2024. Wir wollten etwas Besonderes und Anderes machen. Neben dem klassischen Festival wollten wir eine Veranstaltung etablieren, die Menschen für den Jazz begeistern sollte und sie zum Festival lockt, auch wenn sie vielleicht keine klassischen Jazzhörer sind.

    Gemeinsam mit der GIU kamen wir auf die Idee, in der Gasse vor der alten Buswerkstatt in Quartier Eurobahnhof ein großes Straßenfest zu feiern. Ein Wagnis für uns. Wir mussten trotz Partnerschaft mit der GIU einiges finanzieren. Wir wollten alle Konzerte kostenlos halten, um möglichst vielen Menschen neugierig zu machen. Gleichzeit war Musik alleine nicht genug. Also haben wir Street-Food-Stände angesprochen, ein Kinderprogramm organisiert und mit Händlern geredet, ob sie nicht bei uns verkaufen wollen.

    Und wir waren selbst verblüfft: An einem Freitagabend im April feierten mehr als 4600 Menschen mit uns. Das Echo war großartig und die Begeisterung auf allen Seiten spürbar. Unser Produktionsleiter Paul Strohbach und unser Designer Tobias Turco hatten ganze Arbeit geleistet und ein tolles Flair kreiert. Dazu die Bajou Brass band, sich sich mehrfach musizierend durch die Straßen bewegte, die Band Problembär und die DJs hatten für gute Stimmung gesorgt. Dazu Malen, Schminken, ein Zauberer – ein tolles Kinderprogramm sorgte auch für fröhliche Stimmung bei den kleinen Besucher:innen.

    Richtig voll war die Hütte, als die Stars des 1. FC Saarbrücken zur Signierstunde kamen und auch für Fotos zur Verfügung standen. An einer Torwand könnt man Lose gewinnen, die in einen Topf wanderten. Zu gewinnen gab es Businesstickets, Festivalkarten und Trostpreise wie Popcorn. Der Erlös ging an das Projekt Regenbogen der Saarländischen Krebsgesellschaft.

    Der Aufwand und die Kosten für fill in AVENUE sind hoch, warum also nicht zwei Tage, wenn eh schon alles steht? Das war der erste Gedanke nach dem Ende der AVENUE und wir hatten wieder Glück – die GIU als Finanzpartner wollte das auch!

    Nun also an zwei Tagen. Los geht es freitags um 16 Uhr. Wie im letzen Jahr werden einige Stars des 1. FC Saarbrücken anwesend sein, In diesem Jahr erstmals dabei ist das Fanmobil des 1. FCS und wird ein paar Stunden halt machen. Und auch die Torwand ist wieder vor Ort. Bemalt wird sie von Kindern der Grundschule Am Ordensgut.

    In diesem Jahr wieder mit dabei ist “Problembär”, die feinsten “Groovekrach” spielen, wie sie ihre Musik selbst nennen. Es ist eine Mischung aus Jazz, Punk, Funk und Soul. Vorher wird Franz Becker & Friends für entspannte Stimmung sorgen mit Smooth Jazz und Blues.

    Am Samstag geht es ab 11 Uhr mit einem Familientag weiter, am Nachmittag steht fill in AVENUE dann ganz im Zeichen des Lindy Hop. Der Tanzstil entstand Ende der 1920er-Jahre in den großen Ballsälen New Yorks zeitgleich mit dem Aufschwung des Swing der großen Big Bands, welche die Jazzmusik ­ orchestral weiterentwickelten. Unabhängig von Gesellschaftsschicht und Hautfarbe wurde im Savoy Ballroom und dem Cotton Club getanzt und das Leben gefeiert.

    Gemeinsam mit Lindy Hop Saarbrücken lädt fill in nicht nur zum Social Dance mit Live-Musik ein, es wird Vorführungen mit Choreografien geben, Flashmobs und einen Schnupperkurs für Anfänger. Die Musik kommt von der fünfköpfigen Swingband „Gramophoniacs“. Ein Leckerbissen auch für Nichttänzer:innen!

    Beide Abende beschließen übrigen DJs. Am ersten Abend legt Dj Liliom auf, am zweiten DJ Metty. Liliom spielt einen Gute-Laune-Mix, Metty, eigentlich Matthias von Humpty Records, wird vor allem Jazz auf den Plattenteller bringen.

    Dazu gibt es natürlich allerhand Leckereien, außerdem Marktstände, die Kunst, Kunsthandwerk, Schallplatten, Schmuck und Mode anbieten. Und auch für die Kleinen wird es wieder eine Menge zum Schauen und Ausprobieren geben.

  • Geheimtipp? Charlotte Planchou!

    Geheimtipp? Charlotte Planchou!

    Als unser künstlerische Leiter Oliver Strauch in Vorbereitung auf das Festival in diesem Jahr im November oder Dezember 2024 erstmals den Namen Charlotte Planchou als Musikern für die kommende Ausgabe erwähnte, konnte ich nur mit den Schultern zucken. Charlotte wer? Ich hab natürlich gegoogelt und schnell fest gestellt, dass ich da eine deutliche Lücke in meinem Leben als Jazz-Aficionado habe. Das mag daran liegen, dass ich stark im Modern Jazz verhaftet bin und den traditionellen Stilrichtungen der 1950er- und 1960er-Jahre. Sich hier auszukennen Bedarf schon einiges an Hören, Sehen und Lesen. Nimmt man zeitgenössische Jazzmusiker hinzu, die in dieser Tradition stehen, dann wird es noch viel unübersichtlicher. Zum anderen mag es darin begründet sein, das selbst bei den großen französischen Festivals der französische Jazz in den letzten Jahren und Jahrzehnten vor allem von afrikanischen Jazzern beherrscht wird und ich mich dort einfach inzwischen sehr zuhause fühle, weil es meinem Lebensgefühl entspricht. Ein Fehler, wie ich nun freimütig gestehen muss.

    Doch auch wenn Planchou in Deutschland noch weitgehend unbekannt ist, ist sie in Frankreich längst ein Star oder zumindest auf dem Weg dahin. Im vergangenen Jahr wurde sie vom französischen Jazz Magazine zur “Sängerin des Jahres” gekürt. Gerade erst hat ihr die Académie du Jazz bei den Palmarès-Verleihungen den “Prix Evidence” verliehen. In den Kommentarspalten bei Social Media wird sie in den höchsten Tönen gelobt, gar als Genie gefeiert. Wer also ist Charlotte Planchou?

    Und wieder war ich erstaunt. Planchou ist Saarländerin. Sie wurde als Tochter einer deutschen und eines Franzosen in Homburg geboren und wuchs dort und in Schmelz auf. Als sie fünf Jahre alt war, zog die Familie nach Paris, wo Planchou auch heute noch lebt. Die Sängerin spricht sehr gut deutsch, auch wenn sie es seit der Kindheit kaum noch spricht. Lustigerweise hört man gelegentlich, dass sie aus dem Saarland kommt, etwa wenn sie “nedd” statt “nicht” sagt.

    Planchou studierte Opengesang an der renommierten Haute École de Musique de Lausanne, wandte sich aber nach ihrer Rückkehr bald dem Jazzgesang zu. Wie so oft ist es ein Zufall. Mit einem befreundeten Jazzgitarristen, singt sie auf der Straße. Opernsängerin wollt sie eh nie werden, ihr gefielen einfach die Openstücke und die Art, über den Gesang Geschichte zu erzählen. Doch sie ist hingerissen vom Jazz, der ihr musikalisch mehr Freiheit gibt. Neben wenigen Eigenkompositionen singt sie vor allem Cover. Für sie ist es, so erzählt sie, kein Unterschied, ob sie eigene oder fremde Songs interpretiert, sie möchte erzählen.

    Mit “Petite” erschien 2021 ihr erstes Album. Die französische Fachpresse überschlug sich mit Lob, Planchou wurde zu Jazzfestivals weltweit eingeladen. Bald gilt die junge Künstlerin als echter Tipp. Mainstreamig, poppig, aber mit ganz viel jazzigen Ecken und Kanten.

    Planchous neue, zweite Platte, heißt “Le Carillon” (dt. “Glockenspiel”) und geht mutig weiter. Das Album startet mit “Green sleeves”. Langweilig, hat man schon Hunderttausendmal gehört. Ein Schmachtfetzen aus Elisabethanischer Zeit, der wehklagend die Liebe zu einer jungen Dame in grünem Kleid betrauert. Doch weit gefehlt. Bei Planchou hat man fast das Gefühl, das Lied zum ersten Mal zu hören, weil sie es so wunderbar interpretiert, das man selbst an die vergangenen Lieben seines Leben erinnert wird. Und dann ist da noch Mark Prioré, der aktuell zu den besten Jazzpianisten gehört und die Melodie einfach genial umsetzt. Es ist ein Genuss, sein Spiel zu hören.

    Auch im nächsten Stück ist das Piano allgegenwärtig und nicht bloße Begleitung der Stimme. “C’est la vie” von Benjamin Britten. Sanft und beschwingt singt Planchou über das Leben. Ein echte Leckerbissen ist “A Sant Jan”, das selbst viele Franzosen nicht kennen, obwohl es längst zu den Klassikern des Chanson im Land gehört. Grund dafür dürfte der Gesang in einem okzitanischen Dialekt sein. Das Lied komponierte der provençalische Sänger Jan-Mari Carlotti. Und auch hier muss man wieder betonen, dass Prioré das Werk kongenial umsetzt. Den Flügel nutzt er mehr als Perkussionsinstrument denn als Tasteninstrument und hämmert, klopft und traktiert die Saiten. Planchou singt und spielt Gitarre und macht mit ihrer Stimme, das, was Prioré mit seinem Instrument macht. Sie fordert die Stimmbänder aufs Äußerste und schnalzt und scattet Melodien.

    Und es setzt sich ähnlich fort. “L’Albatros” von Chansonnier Léo Ferré ist ein opulentes Werk, dass die ganze Qualität von Planchou erst richtig zeigt. Die musikalische Reduzierung des Originals auf das Klavier tut dem Song gut und bringt Planchous unglaubliche Stimme ganz zur Geltung. Es folgt “Die Moritat von Mackie Messer” von Brecht und Kurt Weill, dann das portugiesische “tin tin por tin tin”, das vor allem durch Joao Gilberto bekannt wurde. Dann liest man “How happy the lover” und ist erstmal verdutzt. Es gibt ein gleichnamiges barockes Stück aus der Oper “King Arthur” von Henry Purcell, aber… Doch, das geht. Planchou schafft es, denn Kern der Melodie und den barocken Ton erkennbar zu erhalten und transferiert das Stück doch chansonhaft in das 21. Jahrhundert. Wow! Sehr ungewöhnlich, aber wow!

    Dann wird es wieder beschwingt und heiter. Planchou singt Carole Kings “You’ve got a friend”. Planchou kann auch poppig. Es macht Spaß, ihr zuzuhören und man wippt einfach mit. Mit “Ton Amant de Saint Jean” gibt es dann wieder einen echten Chanson, eines der großen Stücke von Edith Piaf. Im letzten Song dann eine Rückkehr zu Benjamin Britten, der den englischen Kinderreim “Cuckoo, Cuckoo, what du you do?” (dt. “Kuckuck, Kuckuck, was tust du?) vertont hat. Ein melancholisch schönes Stück und eine kleine Perle von Britten.

    Den Titel trägt das Album übrigens von den drei kurzen Instrumentalstücken, die das Album beginnen und dann immer wieder als experimentelles Intermezzo einfließen.

    “Le Carillon” lebt von der gesanglichen Qualität Planchous und dem Können Priorés. Da haben sich wirklich zwei Musiker gefunden, die einfach wunderbar zusammenpassen. Hinzu kommt der Effekt, dass man sich immer wieder darauf gefasst macht, dass man das Lied ja schon kenne und dann wieder überrascht wird, wie eigenständig das Stück interpretiert wurden. Das Album ist wirklich ein großes Stück Jazzmusik, das uns da geschenkt wurde. Es wird spannend, Charlotte Planchou live auf der Bühne zu erleben, denn ihre Bühnenpräsenz ist atemberaubend.

  • Curtis – I love you

    Curtis – I love you

    “Curtis Stigers” war 1991 eines meiner ersten Alben auf CD. Während die meisten Jazz-Enthusiasten auf Vinylplatten bestanden, siegte bei mir der Nerd in meinem Innersten. Die silbernen Platten versprachen perfekten Sound, waren klein und recht unempfindlich.

    Ich hatte natürlich “I Wonder Why” gehört und fand den Song super, obwohl es als Mainstream-Ballade eher nicht in mein musikalisches Beuteschema passte. Auch “Your’re all that Matters to me” war cool. Und bei dem Bläsersounds zu Beginn von “The Man Your’re gonna fall in Love with” zitterten die Scheiben. Die Songs waren mit viel Blech arrangiert, sehr modern und dazu die rauchig-unverwechselbare Stimme des jungen Curtis Stigers.

    Und der Typ auf dem Cover sah einfach sympathisch aus. Schulterlanges Haar und ein leicht unsicherer Blick, der versucht, Selbstbewusstsein vorzutäuschen.

    Curtis Stigers in dieser Zeit als Schnulzensänger und Pop-Phänomen abzutun, greift aber zu kurz. Auch wenn Stigers vor allem über die Liebe und seine Sorgen damit sang, hatte man nie das Gefühl, das sei irgendwie “drüber” und triefe vor Schmalz. Vielleicht, weil man ihm einfach abnahm, was er da sang.

    Produziert worden war das Album von dem jungen Glen Ballard, der damals noch recht unbekannt war, später aber Michael Jackson, Alanis Morissette, Anastacia, Aerosmith, Katy Perry und viele weitere Stars betreute. Ballard bewies immer wieder sein Talent, junge Künstler:innen zum Durchbruch zu verhelfen. Auch bei Stigers war Ballard als Toningenieur und Arrangeur dabei.

    Außerdem als Produzent dabei war Danny Kortchmar, den viele als Gitarristen von Carol King und James Taylor kennen. Aber Kortchmar war zu jener Zeit auch schon ein bekannter Produzent, der Neil Young, Billy Joel, Toto und Jon Bon Jovi produzierte. Die beiden Produzenten hatten großen Anteil daran, dass Stigers Platte zum Megaerfolg wurde und sich millionenfach verkaufte.

    Die 1990er-Jahre verschluckten Curtis Stigers – zumindest für mich. Die Alben “Time was” und “Brighter Days” waren gut, aber der außergewöhnliche Sound war im Mainstream angekommen und Stigers vom eigenen Erfolg überrannt worden. Die wuchtigen Arrangements zogen nicht mehr so richtig, außerdem erlebte der Techno seine Blütezeit und der Gangsta-Rap der Westcoast war angesagt. Wer cool sein wollte, hörte nicht Curtis Stigers.

    Ich versank derweil endgültig im Jazz, für mich gab es nur den Jazz der 1950er- und 1960er-Jahre, ein bisschen Funk und Soulmusik – alles andere war “Mainstream-Scheiß”. Ich lümmelte im Hades bei günstigen Spaghetti und “geiler” Musik und verbrachte Nächte in der Gießkanne, die damals legendäre Jazzkonzerte mit Größen des Genres bot. Ein bisschen fühlte man sich wie im Village Vanguard oder dem Birdland in New York. Hier war der Mief der Kohl-Ära weit weg.

    Im Jahr 2002 fiel mir dann Stigers neue CD “Secret Heart” in die Hände. Ich hab ohne große Erwartungen reingehört und war baff. Das war purer Jazz. Schon mit dem Album “Baby plays around” hatte Stigers sich deutlich dem Genre zugewandt. Die Blechbläser waren weg, die klassische Jazzcombo mit Piano, Schlagzeug und Kontrabass war an ihre Stelle getreten und die Texte in einen swingenden Sound gehüllt. “Parker’s Mood” war eine Anspielung auf Charlie Parker und auch der Jazzstandard “Billie’s Bounce” eine Hommage an den großen Jazzsaxophonisten, der den Song eingespielt hatte. Stigers setzt den Song ganz auf seine Weise um, er spielt mit seiner Stimme im Scat und machte sie zum Instrument. Dazu ein getriebener Sound, Soli der Instrumente, die sich in den Vordergrund spielten und dann wieder zurück in Reih`und Glied treten und Platz machen für Stigers. Wow!

    Den eingeschlagenen Weg ging Stigers konsequent und mutig weiter. In den Charts war er damit nicht mehr vorne, aber man merkt ihm einfach an, dass er sich im Jazz zu Hause fühlte und es ihm und seiner Musik guttat. Er experimentierte viel mit Jazz-Sounds, nahm auch mal lateinamerikanische Rhythmen auf, integrierte Einflüsse aus der New York Jazzszene und probierte Neues. Da durfte dann auch mal eine Hammondorgel Soli spielen und eine Trompete übernahm den Melodiepart, wie etwa in “Lately I let things slide” auf dem Album “Gentleman”.

    Dann kam Corona und die Welt stand still. Bei vielen Künstlern setzte die Pandemie aber auch kreatives Talent frei. Curtis Stigers wollte Musik machen und er wollte ein Publikum. So lud er regelmäßig auf YouTube in seine Küche ein, gab von dort Konzerte und offenbarte sein Talent als Entertainer. Stigers sang nicht einfach nur, er unterhielt sein Publikum mit Anekdoten. Mit Gitarre und Saxophon coverte er Songs und stellt eigene vor.

    Mit “Songs from my kitchen, Volume 1” legt Curtis Stigers nun ein Album vor, dass Quintessenz dieser Zeit ist. Ob es ein weiteres geben wird, ist noch nicht klar, aber Stigers selbst sagt: “Ich dachte mir, ich lass die Tür offen.” Material genug gibt es, die 53 einstündigen Episoden sind voll von grandioser Musik. Und natürlich mit einer jazzigen Version von “I wonder why”.

    Ich muss gestehen, dass ich sehr neugierig auf dieses Konzert bei fill in bin. Ich bin sicher, dass es ein unvergessliches Erlebnis wird. Es ist nicht nur eine Begegnung mit meiner Jugend, das Konzert wird die Intimität der Küchenkonzerte mit der Dynamik eines Live-Jazzkonzerts verbinden. Das kann nur gut werden.

  • Alles Neue macht der März

    Es ist sicher schon aufgefallen, fill in hat ein neues Design. Wir haben unser altes Design geliebt und viel Lob dafür bekommen, aber wir wollten uns weiterentwickeln. Die Vorgabe war klar: weniger verspielt, reduzierter, klarer und es sollte insbesondere in der Werbung auffallen.

    Nach einer Vorauswahl fiel unsere letztendliche Wahl auf die Saarbrücker Designagentur MM, M um Muriel Serf, Martha Bayer und Manuel Wesely. Die drei Designer:innen haben einige Erfahrungen mit dem Design von kulturellen Einrichtungen setzen das Erscheinungsbild des Heidelberger Stückemarkts um und entwickelten die Gestaltung des Theaterfestivals Adelante!

    Sofort fällt der neue Farbton auf. Aus dem hellen, erdigen Orange ist ein warmes, kräftiges Orange geworden. Die Grafik ist zugunsten der Information zurückgetreten, Typographie spielt eine wesentliche Rolle. Da ist einerseits das fette Cooper Black, das sofort ins Auge springt und fill in betont und dann die feine Oracle, die teilweise auch mit “springenden” Buchstaben eingesetzt wird. Rhythmus und Lebensgefühl des Jazz werden so alleine durch Schrift transportiert.

    Auch die Website wurde umfassend überarbeitet und vereinfacht. Alles hat seinen Platz, es ist übersichtlich und schnell zu finden. Auch hier setzen wir das Orange wieder als starke Farbe ein und nutzen ein Weiß, das ein bisschen ins Elfenbeinfarbene geht. Immer wieder tauchen Kästchen auf, sowohl im Printdesign als auch bei Social Media und auf der Website. Das bringt Struktur und Ordnung in die Improvisation. Auch hier ein Anklang an den Jazz.

    Im neuen Design fehlt der Flamingo. Das Geflügel hat keinen wirklichen Platz und wir waren der Meinung, dass er nicht mehr so recht zum Festival passt. Entstanden war der Flamingo aus dem Ort im ersten Jahr des Festivals. In den Anfangsjahren des Deutsch-Französischen Gartens lebten hier Flamingos. An die sollte auch unser “Wappentier” erinnern und als Maskottchen für eine positive Identifikation sorgen.

    Immer wieder wurden wir aber auch gefragt, was der Flamingo eigentlich mit dem Festival zu tun hat und mit dem Umzug ins E-WERK war auch nicht mehr wirklich erklärbar, warum da ein Flamingo über die Plakate flattert.

    Womit wir nicht gerechnet haben: Inzwischen lieben viele fill-in-Fans den Flamingo und möchten ihn behalten. Also haben wir beschlossen, dass der Flamingo nur in sein Winterquartier geflogen ist und wiederkommen wird. Er wird vielleicht ein bisschen anders aussehen – schließlich werden auch Flamingos älter – aber er wird bleiben. In der ein oder anderen Form. Mal schauen, wo er uns in den nächsten Monaten über den Weg läuft flattert.

    Wir lieben das neue Erscheinungsbild, seine Wirkung wird es vor allem im öffentlichen Raum entfalten. Wie findet ihr das Design? Bei Presse und Sponsoren gab es viel Lob. Gelungen? Nervig? Ansprechend? Langweilig? Schreibt es uns!

  • Ein Hurra mit Hindernissen – fill in verlegt!

    Die Nachricht verbreitete sich am Dienstagabend wie ein Lauffeuer über Social Media: fill in wird nicht wie geplant im Deutsch-Französischen Garten als Open-Air-Festival stattfinden, sondern in das E-Werk verlegt. Der Grund dafür ist so simpel wie unglaublich: Unsere Wiese in der Südmulde ist zu nass. Es wäre unmöglich gewesen, am Dienstag vor dem Festival mit dem Bühnenaufbau zu beginnen, weil die tonnenschwere Bühne mehrere Zentimeter abgesackt wäre. Damit wäre die Bühne nicht mehr standsicher und die Sicherheit der Künstler:innen, des Bühnenpersonals und der Besucher:innen wäre nicht mehr zu gewährleisten. Und ja, die Wiese sieht toll und auch trocken aus, aber sie ist es nicht.

    In einem Sitzungs- und Beratungsmarathon von mehreren Stunden haben wir alles probiert und haben mit Veranstaltungs- und Bühnentechnikern beraten, was wir machen können. Insbesondere haben wir versucht, im DFG eine Ersatzwiese zu finden. Das war nicht möglich, weil die anderen Wiesen entweder genauso nass waren oder zu klein, sodass die Bühne dort nicht gepasst hätte. Ein Abtrocknen wäre in kürzester Zeit auch nicht möglich, denn unter der Bühne hätten Stahlplatten liegen müssen, die ein Abtrocknen verhindert hätten. So mussten wir wirklich schweren Herzens am Montagabend den Entschluss fassen, in das E-Werk zu ziehen, dass uns unser Partner GIU zur Verfügung stellen konnte. 

    Auch die Anfangszeiten der Konzerte mussten verlegt werden, da die komplexe Logistik der Künstler:innen einen früheren Beginn kaum möglich macht. Untergebracht sind die Künstler im Victor’s Residenz-Hotel am DFG, sie müssen aber mehrfach durch die Stadt zum E-Werk. Außerdem steht zu befürchten, dass einige Besucher:innen doch im DFG landen, wo sie von Helfern Hinweise zur Verlegung bekommen. Auch sie sollen rechtzeitig zum Konzertbeginn im E-Werk auf den Saarterrassen sein können.

    Ein Open-Air-Festival zu stemmen, bedeutet in Zeiten des Klimawandels immer auch, dass man mit solchen Verlegungen aufgrund der Witterungsbedingungen rechnen muss. Wir haben uns die Entscheidung alles andere als leicht gemacht, es blieb uns aber keine andere Wahl. Seit heute morgen arbeiten wir im E-Werk und es ist wirklich ein schöner Ort für gute Musik. Wir werden versuchen, euch ein wunderbares Festivalflair zu zaubern, damit ihr den DFG nicht allzu sehr vermisst. Hurra, es ist trotzdem Festival! Und für alle Frischluftfanatiker empfehlen wir das Wochenende vom 9. bis zum 11. August 2024, da sind wir mit Weltklassejazz auf der Vaubaninsel in Saarlouis.

  • Üppiger Bläsersound trifft auf einzigartige Stimme

    Es wird ein Gigantentreffen und einer der Höhepunkte des Festivals. Am Sonntagabend werden das Brussels Jaz Orchestra und die französische Jazzsängerin Camille Bertault gemeinsam Chansons von Serge Gainsbourg interpretieren. 

    Das Brussels Jazz Orchestra (BJO) lädt immer wieder Solokünstler ein, mit ihm gemeinsam zu musizieren. Gegründet wurde es 1993 von Frnak Vaganée, der es bis heute leitet, und Serge Plume, Marc Godfroid und Bo van der Werf. Jazzorchester klingt immer ein bisschen nach Swing-Bigband. Da rümpfen viele Jazzfans eher die Nase. Warum, weiß ich auch nicht so genau, vielleicht liegt es daran, dass der Swing die erste Mainstream-Stilrichtung des Jazz war und noch dazu kommerziell erfolgreich. Oder aber, dass mit dem Swing der Jazz „weiß“ wurde. Zwar wurde auch diese Jazzrichtung von Afroamerikanern erfunden, doch es waren vor allem Weiße, die ihn spielten. Auch das mag eine Rolle spielen, dass der Swing bis heute unter Jazzfans eher eine untergeordnete Rolle spielt. Man stellt sich dann immer die Salons der 1920er Jahre in Berlin vor, wo die finanzielle und künstlerische Elite des Landes in ausschweifenden Partys gegen den Untergang antanzt.

    Davon ist das BJO allerdings weit entfernt.  Das Orchester lädt sich immer wieder Gaststars ein, mit denen es eigenen Kompositionen oder arrangierte Songs von anderen Künstler:innen spielt. Das führt zu großer Vielfalt und einem tollen Mix aus dem voluminösen Sound einer Jazz-Bigband mit üppigem Bläserensemble und den Einflüssen von Musik aus aller Welt. Mit David Linx nahm man ein Brel-Album auf, mit der südafrikanischen Sängerin Tutu Puoane gleich zwei Alben und „Smooth Shake“ mit Bert Joris ist einfach ein tolles Album, weil Smooth Jazz hier nicht zur Fahrstuhlmusik verkommt. Eine meiner Lieblingsplatten des BJO ist „Ten Years Ago“ mit Star-Akkordeonist Richard Gaillano. 

    Ich bin aber nicht sicher, ob es meine Lieblingsplatte bleibt, denn nun hat das BJO ein Album mit Camille Bertault aufgenommen. Gewidmet ist es den Songs von Serge Gainsbourg. Mit der Französin hat man eine Jazzvokalistin ausgewählt, die in Frankreich ein aufstrebender Star ist und dort hochgehandelt wird. Kein Wunder, denn ihre Stimme ist grandios, ihre Alben durchweg ein Ohrenschmaus. Das Jazzmagazin Downbeat lobt sie als „intelligente Stimmgymnastin“ und das trifft es ziemlich gut, weil Bertault mit ihrer Stimme nichts mühsam erscheint, ihre Phrasierung ist so sinnlich und perfekt, dass man sich sofort in ihre Stimme verliebt. 

    Nichtsdestotrotz ist es ein Experiment und ein Wagnis, sich an Gainsbourg zu trauen, den Nationalheiligen des Chansons in Frankreich. Kann es gut gehen, wenn eine fröhliche und selbstbewusste junge Frau den Weltschmerz und die Selbstzweifel von Gainsbourg interpretiert? Um es vorwegzunehmen: die musikalischen Arrangements der Orchestermitglieder sind großartig umgesetzt und hier zeigt sich die ganze Klasse der Bigband. 

    Zurück zu Camille Bertault. Sie entpuppt sich als perfekte Besetzung für den Gesangspart, weil sie so viel Liebe in die Interpretation der Songs legt und ihre Stimme einfach perfekt passt. Mal lasziv hauchend, dann wieder aggressiv fordernd, dann heiter oder melancholisch, stolpert sie hastig vorwärts, hält inne und schlägt gesangliche Kapriolen. Sie setzt die Texte emotional einfach genial um. Und so sing sie Evergreens wie „Couleur Café“ und „La Javanaise“, aber auch unbekanntere Stücke wie Elisa aus Jacques Rouffios erstem Film „Der Horizont“ (L’horizon) aus dem Jahr 1967. Gerade dieses Stück ist so brillant umgesetzt, dass es das Original übertrifft.

    So macht es Spaß, zu „Le Poinçoneur des Lilas“ mitzupfeifen, zu „Je suis venu te dire que je m’en vai“ zu wippen oder bei „La javanaise“ mitzusingen, wenn Bertault haucht: Ne vous déplaise/En dansant la Javanaise/Nous nous aimions/Le temps d’une/Chanson/… Ich bin sicher, die Liebe zur Musik des Brussels Jazz Orchestra und Camille Bertault dauert länger als ein Lied!