Kategorie: fill in 2026

Stockholm liegt mehr als 9.000 Kilometer von New Orleans entfernt. Und doch klingt die Musik von Louisiana Avenue so, als wäre sie direkt auf dem French Quarter entstanden – vollgesogen mit Funk, Soul, Jazz und Blues, beseelt von der ungezügelten Lebensfreude des Mardi Gras und des New-Orleans-Jazz.

Die Wurzeln von Louisiana Avenue reichen tief in eine persönliche Familiengeschichte von Frontmann und Sänger Pär Stenhammar. Sein Vater Bo Stenhammar war beim ersten New Orleans Jazz & Heritage Festival 1971 dabei und war so beeindruckt, dass er immer wieder dorthin zurückkam. Im Jahr 1980 gründete er schließlich das Stockholm Jazz Festival nach dem Vorbild des Jazzfestes in New Orleans.

Für Pär wurde New Orleans in Kindertagen zur zweiten Heimat und die Musik sein Zuhause. Nach einem rauschenden Fest kehrte er 2012 nach Stockholm zurück und gründete Louisiana Avenue. Anfangs spielte die Band ausschließlich Klassiker von den The Meters bis Fats Domino. Im Jahr 2018 fanden die Musiker ihren eigenen Weg.Die achtköpfige Band aus der schwedischen Hauptstadt gilt heute als eine der energiegeladensten Livebands Skandinaviens und füllt Jazzfestivals in ganz Europa.

Louisiana Avenue ist kein gewöhnliches Jazz-Ensemble. Die Formation vereint eine vollständige Bläsersektion mit Trompeten, Posaunen, Saxofonen und Sousafon zu einem mächtigen, schweißtreibenden Klangbild. Soul, Funk, Jazz, Blues, Boogie-Woogie und Cajun-Musik fließen nahtlos ineinander.

Zur Musik gesellt sich ein aufwendiges Bühnenprogramm: Farbenprächtige Kostüme, aufblasbare Einhörner, Plastikhalsketten, Sonnenschirme und zahlreiche Kleidungswechsel schaffen die Atmosphäre eines echten Karnevalsumzugs. Das Konzert wird zur Parade, die Parade zur Party und das Publikum ist mittendrin.

Louisiana Avenue ist mehr als eine Band. Sie ist ein Kulturprojekt, ein Liebesbrief an eine Stadt und ihre Musik – geschrieben von Menschen, die den Geist dieser Musik tief verinnerlicht haben, auch wenn der nächste Flug nach New Orleans Tausende Kilometer weit geht. Und wenn Pär Stenhammar singt: „Laissez les bons temps rouler“ – lass die guten Zeiten rollen – dann glaubt man ihm jeden Ton.

Am 22. Dezember 1984 auf der französischen Karibikinsel Martinique geboren, wuchs Grégory Privat in Saint-Joseph in einer Musikerfamilie auf. Die musikalische Tradition seiner karibischen Heimat war von Beginn an ein prägendes Element in seiner künstlerischen DNA. Sein Vater José Privat ist Komponist und Pianist und war zeitweise Mitglied der renommierten martinikanischen Weltmusikband „Malavoi“. Er ermutigte den jungen Grégory schon mit sechs Jahren zum Klavierunterricht.

Für die Musik von Martinique ist der im 19. Jahrhundert entwickelte Beguine bestimmend, ein langsamer Swingtanz, der sich aus der afrokaribischen Rhythmik des Gwoka (Guadeloupe) und des westafrikanisch inspirierten Bélé sowie aus der französischen Musette und Elementen des amerikanischen Jazz speiste. Ein energiegeladene und rhythmusbetonte Musik entstand.

Früh entdeckte Privat die Welt des Jazz für sich. Von 2004 bis 2007 führte er ein „Doppelleben“: Tagsüber studiert er Ingenieurwesen in Toulouse, nachts spielt er in Jazzclubs der Stadt. In dieser Zeit begann Privat, europäischen Jazz mit karibischer Musik zu verbinden. Mit einem Ingenieursabschluss in der Tasche zog er anschließend nach Paris, wo er zunächst weiter als Ingenieur arbeitete und gleichzeitig die Jazzszene der Hauptstadt erkundete. Mit 27 Jahren wagte er schließlich den entscheidenden Schritt: Er gibt seinen gut bezahlten Job auf und widmete sich fortan ausschließlich der Musik.

Der Weg in die internationale Jazzwelt führt über wichtige Wettbewerbe und entscheidende Begegnungen. Privat nimmt 2008 am Klavierwettbewerb des Montreux Jazz Festivals teil. 2011 erscheint sein erstes Album unter eigenem Namen: Ki Koté – eine Sammlung eigener Kompositionen, die von der Kritik gefeiert wird. Es folgt 2013 Tales of Cyparis, inspiriert von der historischen Figur des Louis-Auguste Cyparis, des einzigen Überlebenden des Vulkanausbruchs des Mont Pelé auf Martinique.

Im Jahr 2015 wurde Privat bei den Victoires du Jazz in der Kategorie „Entdeckung des Jahres“ nominiert. Ein Jahr später erschien Family Tree auf dem renommierten deutschen Label ACT.

Privat beeindruckt mit seiner virtuosen Technik, seinem ausgeprägten Rhythmusgefühl und großer Spielfreude. Seine Musik verbindet lyrische Melodien mit komplexen Harmonien und spiegelt seine karibischen Wurzeln auf einzigartige Weise wider. Diese Verwurzelung zeigt sich auch in seiner Zusammenarbeit mit anderen Musikern der Antillen: Er spielte mit dem Saxophonisten Jacques Schwarz-Bart, dem Trompeter Franck Nicolas und dem Perkussionisten Sonny Troupé zusammen. 

2019 gründete Privat sein eigenes Label Buddham Jazz, um künstlerisch unabhängiger zu werden. Unter diesem Label erscheinen seine persönlichsten Werke: 2020 das Trioalbum Soley, 2022 sein erstes Soloalbum Yonn, gefolgt 2023 von Nuit & Jour, einem Improvisationsalbum, das in Marseille aufgenommen wurde.

Den vorläufigen Höhepunkt seiner Karriere markiert das Jahr 2024: Grégory Privat erhält den „Prix Django Reinhardt“ der Académie du Jazz – eine der bedeutendsten Auszeichnungen im französischen Jazz. Fast gleichzeitig erscheint sein achtes Album Phoenix, das er als Weiterführung von Soley betrachtet und das Leben und die ständige Erneuerung feiert. Erstmals übernahm Privat alle Gesangparts.

Im vergangen Jahr nahm er gemeinsam mit Jacques Schwartz-Bart ein Album auf, das stärker vom europäischen Jazzsound geprägt ist. Ein meisterhaftes Werk! In diesem Jahr nun folgte mit „Darling“ das neue Album, stärker geprägt von elektronischen Sounds und der sanften Stimme von Privat.

Grégory Privat gilt heute als eine der aufregendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz und als wichtiger Innovator in der Verschmelzung von Jazz und Weltmusik. Mit jedem Album beweist er, dass Martinique und Paris, Karibik und Europa, Klassik und Avantgarde keine Gegensätze sind – sondern die Quellen eines einzigartigen und unverwechselbaren Klangs.

Es gibt Musiker, die spielen ein Instrument. Und es gibt solche, die sind ein Instrument. Antonio Lizana ist einer von letzteren. Der 1986 in San Fernando geborene Andalusier singt Flamenco und spielt Jazz-Saxophon, und er tut beides gleichzeitig, ohne dass dabei das eine das andere verdrängt. Stattdessen entsteht etwas Drittes: eine Musik, die nach Meersalz und Großstadtnacht riecht, nach Cádiz und Manhattan, nach quejío und Charlie Parker.

Lizanas Geburtsstadt San Fernando liegt auf einer Halbinsel südwestlich von Cádiz – eine Stadt, die zu den Wiegen des Flamenco zählt. Hier wuchs Antonio Lizana auf, umgeben von cantaores und Gitarristen, von der Schwere und Schönheit des Gesangs. Doch es war ausgerechnet eine Aufnahme von Deep Purple, die sein Vater ihm als Achtjährigem vorspielte, die ihn zur Musik brachte.

Am Konservatorium erhielt Lizana eine klassische Ausbildung, bevor ihn befreundete Gitarristen mit der Musik von Paco de Lucía und Tomatito bekannt machten. er begann, die Falsetas, die melodischen Figuren des Flamenco, auf das Saxophon zu übertragen. Dann zog er ins Baskenland, nach San Sebastián, um am Centro Superior de Música del País Vasco Jazz zu studieren. Er selbst gibt zu, dass ihn die Jazztradition zunächst kaltließ – doch beim Studium verliebte er sich in sie und fand dabei auch seine Singstimme.

Diese Stimme ist das Herzstück seiner Kunst. Ein Cantaor, der zugleich Saxophonist ist. Lizana singt mit der Inbrunst und dem dramatischen Ernst des andalusischen Gesangs, ohne in Folklore zu versinken. Seine Texte handeln nicht von Schmerz um des Schmerzes willen, nicht von den klassischen Flamenco-Themen Liebe, Tod und Einsamkeit im musealen Sinne. Er schreibt über die Wirklichkeit, die Menschen heute beschäftigt. Lizana ist eine einzigartiger Künstler: eine echter Flamenco-Sänger und ein grandioser Saxophonist, mit einem andalusischen Herzen und der improvisatorischen Seele eines Jazzmusikers.

Seit seinem Debütalbum De Viento (2012) hat Lizana eine beeindruckende Karriere aufgebaut, die ihn in über dreißig Länder geführt hat. Er spielte auf dem SXSW in Austin, bei der Flamenco Biennale in Amsterdam, auf Jazzfestivals in Shanghai und in Buenos Aires. Er nahm ein NPR Tiny Desk Concert auf – als einer der wenigen spanischen Künstler überhaupt. Er kollaborierte mit Arturo O’Farrill und Alejandro Sanz an Grammy-prämierten Werken, spielte mit Snarky Puppy, Marcus Miller und Chano Domínguez. Die Liste seiner Partner liest sich wie ein Who’s who des Jazz, und doch verliert sich Lizana in keiner dieser Konstellationen. Er bleibt erkennbar: der Mann aus San Fernando, der das Saxophon singt und die Stimme spielen lässt.

Was Antonio Lizana so besonders macht, ist nicht die bloße Fusion zweier Stile, er verbindet sie. Lizana bewahrt die duende, den schwer definierbaren Geist des Flamenco, auch in modernstem Jazz-Kontext. Er öffnet eine alte Kunst für neue Ohren – und beweist dabei, dass Tradition und Moderne keine Feinde sind.

Begleitet wird Lizana von einem wunderbaren Band und dem Tänzer und Sänger Jose Maria Castano, der Lizanas Musik und Gesang fast schon magisch auflädt.

Mit dem Song „This is what you are“ begann 2006 Mario Biondis Solokarriere. Die Single schaffte es auf Anhieb auf Platz 36 der italienischen Charts, das Album „Handful of Soul“ konnte sogar Platz Eins erobern und hielt sich 72 Wochen in den Chartliste. Alle Singles und Alben waren seither in den italienischen Charts. In Deutschland ist Mario Biondi nur Insider ein Begriff, in Italien ist er ein Mega-Star.

Das verwundert ein bisschen, denn Biondi singt zwar auch auf Italienisch, meist jedoch auf Englisch. Seine sanfte, leicht rauchige Stimme haucht er ins Mikro, verführerisch wickelt er das Publikum um den Finger und entführt ins Dolce Vita. Viele vergleichen Biondi mit Barry White, in vielem erinnert er aber eher an Isaac White. Die Wahrheit liegt wohl da zwischen: ein bisschen Groove von Barry White, ein bisschen Charisma von Isaac Hayes und ganz viel Mario Biondi. Einer der großen Crooner der Gegenwart.

Biondi wurde 1971 als Sohn eines Liedermachers in Catania auf Sizilien geboren. Das Musikmachen ist ihm also in die Wiege gelegt worden. Aufgewachsen mit einer Großmutter, die Opernarien sang, und einem Vater, der sizilianische Volkslieder schrieb, lernte Biondi früh, dass Musik kein Beruf ist, sondern eine Haltung. Mit zwölf stand er zum ersten Mal auf einer Bühne. Er spielte in Clubs, in Bars, in Hinterzimmern. Er begleitete Tourneekünstler, trat im Schatten fremder Bekanntheit auf und entwickelt seien einzigartige Stimme.

Im Alter von 17 Jahren durfte er mit Ray Charles singen. Im Jahr 2003 nahm er mit dem Jazz-Drummer Chicco Capiozzo und Michele Guidi (alias „Mecco“; Orgel) deren Album Whisky Go Go auf. Ein tolles Jazzalbum mit genialen Beats, das bis heute unterschätzt wird – auch wenn der Titelsong mehrfach auf Samplern auftauchte!

Dann kam „A Handful of Soul“ und Biondi wurde über Nacht zum Star. die Single „This is what you are“ erlangte Gold-Status, das Album „If“ aus dem Jahr 2010 sogar Platin. Mit drei Nummer-Eins-Alben ist er einer der erfolgreichsten Sänger seines Heimatlandes.

Wenn Biondi singt, dann klingt das immer cool und lässig mit einem Schuss Erotik. Dolce far niente in Musik gegossen! Jazz, Pop, Soul, R ’n B -für Biondi gibt es keine Genre-Grenzen. Das macht seine Alben so spannend, denn – seien wir mal ehrlich – Barry White wird irgendwann fad, wenn man mehr als drei Lieder hört, Biondi Zeit uns in seinen Bann und lässt uns nicht mehr los. Wein bisschen Pop, ein bisschen Jazz und ganz viel Liebe zur Musik.

Wer Mario Biondi live erlebt, versteht, was mit dem viel strapazierten Wort der Bühnenpräsenz gemeint ist. Nicht der Effekt. Nicht das Spektakel. Nur ein Mann mit einer Stimme, die den Raum füllt. Manchmal reicht das.